FRASES DE CINE

QUE YO RECUERDE, DESDE QUE TUVE USO DE RAZÓN, QUISE SER UN GANGSTER

UNO DE LOS NUESTROS (1990)

28. MAGNOLIA

MAGNOLIA

DRAMA

188´

DIRECCIÓN:
Paul Thomas Anderson

INTÉRPRETES:

Tom Cruise
John C. Reilly

Philiph Baker Hall

Julianne Moore

William H. Macy

Jason Robards

Philiph Seymour Hoffman

Melora Walters

Jeremy Blackman

Nueve historias independientes tienen lugar en la ciudad de Los Ángeles a lo largo de un lluvioso día protagonizadas por una serie de personajes que en principio viven experiencias en apariencia independientes pero que confluyen en un final de jornada marcado por un fenómeno de proporciones de plaga bíblicas.

Con tan solo veintinueve años y tras dirigir y escribir la colosal Boogie nights Paul Thomas Anderson haría lo propio con Magnolia, una de las películas imprescindibles de la década de los noventa y que vuelve sobre el tema de las historias corales y conectadas que tan grandes películas nos ha brindado empezando por Vidas cruzadas (1993). Las más de tres horas de metraje se sustentan en un montaje soberbio y que nos devuelve un puñado de secuencias que muestran en paralelo a los diferentes personajes que protagonizan la película, las cuales han sido engarzadas y editadas con precisión quirúrgica, siendo el plantel de brillantes interpretaciones ofrecidas por un reparto de auténtico lujo el otro gran referente a la hora de hablar de Magnolia.

Un drama con el que su director dejaría de manifiesto no solo su madurez narrativa, sino su enorme talento a la hora de componer películas tan complejas a priori como el título que nos ocupa, demostrando igualmente su capacidad a la hora de extraer de sus actores lo mejor de si mismos. Una película de obligado visionado si lo que estamos haciendo es una revisión del mejor cine de los noventa.

48. CIVIL WAR

AÑO: 2024

DURACIÓN: 109´      

DE QUE VA: En un futuro cercano en el que Estados Unidos están sumidos en una cruenta guerra civil un grupo de periodistas y fotógrafos trata de llegar por carretera a Washington antes que las fuerzas rebeldes tomen la ciudad y derroquen al presidente.

QUIEN LA HACE: El guionista y director Alex Garland, responsable de títulos como Ex machina (2014) o Aniquilación (2018), firma una obra maestra que nos adentra en las tripas de un conflicto tan doloroso como lo es una guerra civil de la mano de cuatro periodistas en busca de la foto y la entrevista definitiva.

QUIEN LA PROTAGONIZA: Una Kirsten Dunst hastiada del mundo que la rodea lidera al grupo de periodistas protagonistas junto a Wagner Moura (Tropa de élite), Cailee Spaeny (Malos tiempos en el Royale) o Stephen Henderson (Dune). Como curiosidad decir que Jesse Plemons, esposo en la vida real de la actriz de Entrevista con el vampiro (1994), interpretaría un breve pero contundente papel tras fallar el actor inicialmente previsto.

LO QUE MÁS ME GUSTA: La manera en la que la película juega con la imagen y el sonido, usando el silencio para desarmar al espectador en determinadas secuencias o implementando canciones que se antojan anacrónicas a lo que en ese momento sucede en pantalla. El asalto a Washington con el que cierra la película, una maldita locura rodada de manera soberbia. 

LO QUE MENOS ME GUSTA: Por ponerle algún pero hay momentos, especialmente al inicio de la película, que más que en una guerra parece el grupo de periodistas se mueve en un apocalipsis zombie.

EXTRA: Tanto por tratarse sus protagonistas de fotoperiodistas como por abordar ambas el horror que es capaz de generar el ser humano, Civil War forma un excelente combo junto a Salvador, dirigida en 1986 por Oliver Stone.

SESIÓN GOLFA

Y TU MAMA TAMBIÉN

Una estupenda road movie convertida en un viaje vital para sus tres protagonistas, quienes por una parte, los personajes de Gael García Bernal y Diego Luna, viven esta experiencia iniciática como un divertimento inocuo que sin embargo acabará cambiando sus vidas para siempre, mientras que para el personaje al que da vida Maribel Verdú se convierte en una suerte de epílogo con el que poder romper los tabúes de una vida ordenada.  

La película no escatima en este sentido la presencia del sexo en pantalla, mostrándolo de manera lúdica y natural e incorporándolo como otro elemento más dentro del proceso de aprendizaje de los dos jóvenes protagonistas, quienes inician la película como dos adolescentes que disfrutan a tope de una vida donde no hay lugar para las preocupaciones y que sin embargo acabaran este viaje a Boca del cielo transmutados en adultos a quienes las consecuencias de sus actos les pasaran factura, en este sentido anulando una amistad que hasta ese momento parecía imposible de quebrar.

La secuencia que marca ese punto de inflexión y que supone el cambio de rol entre los personajes, con una Luisa que desde ese instante se dedicará a disfrutar del poco tiempo que le queda y unos Tenoch y Julio incapaces de superar el momento vivido, es el encuentro sexual que tiene lugar entre los tres, quienes después de beber durante la cena se lanzan a una vorágine de sexo durante la cual los dos amigos cruzan una línea que hasta ese momento habían logrado contener. Y como en todos los instantes de este tipo mostrados a lo largo de la película, esta secuencia se dibuja con una frescura y naturalidad absoluta, no concediendo al sexo una impronta de elaborado ritual sentimental, sino introduciéndolo dentro de un momento improvisado durante el cual los tres personajes únicamente se dejan llevar. Aunque puede que se arrepientan de ese instante durante toda su vida.

35. INFIERNO DE CRISTAL

 INFIERNO DE CRISTAL (Skyscraper, 1996) 96

La malograda y siliconada Anne Nicole Smith protagoniza esta bochornosa imitación de una de las obras magnas del género de acción como es Jungla de cristal (1988) llegando a plagiar escenas completas. El problema es que Raymond Martino, su director, no posee nada del talento de John McTiernan tras las cámaras y Nicole Smith carece de las toneladas de carisma que si mostraba Bruce Willis en la película que le convertiría en estrella. Pero para quien crea que no hay nada peor que filmar con cuatro duros un título como este a la ecuación habría que sumar que la protagonista estuvo sumida durante el rodaje en un maremagno de adicciones que la llevaron a rodar buena parte del metraje colocada, siendo lo peor de todo es que ni aún así es quien peor lo hace delante de las cámaras. Y de esta manera, entre terroristas muy malos, directores peores y eso sí, buenos especialistas a la hora de saltar de edificios, la trama nos cuela por la puerta de atrás varias secuencias en las que esta Playmate de vida efímera y trágica (falleciendo sin haber cumplido los cuarenta llegaría a sobrevivir a su hijo) pasea su anatomía desnuda para solaz disfrute de los aficionados  a los siliconados pechos noventeros. 

86. UNO, DOS, TRES

Uno, dos, tres (1961) 108´

En plena Guerra Fría C.R. MacNamara trabaja como representante de Coca Cola en el Berlín Occidental siendo dos sus aspiraciones. Lograr un ascenso en la compañía que le saque del lugar y seguir practicando el idioma natal con su atractiva secretaria. Pero su jefe tiene otros planes para con él, como el de convertirse en el cuidador de una díscola hija aficionada a prometerse con todo joven al que conoce.
Billy Wilder y I.A.L Diamond volvían a firmar un guion soberbio que contiene más gags por minuto que bulos Twitter. Así, la película aprovecha entre otras cosas para colarnos una ácida crítica a esa situación que durante décadas nos tuvo a todos con el corazón en un puño y otras partes encogidas llamada Guerra Fría. La película además nos muestra la vis cómica de un maduro James Cagney inconmensurable como ese jefazo de la Coca Cola a quien en ningún momento la situación le desborda. Aunque no podemos olvidar a una colección de secundarios divertidísimos como ese Schlemmer aficionado a taconear a cada nueva orden de su jefe. Una estupenda muesca más en el revólver de la comedia de Wilder. 

 

85. ATRACO PERFECTO

Atraco perfecto (1956) 83´

Tras una temporada a la sombra y no precisamente por buscar la contra del sol, un tipo de los de gusto por lo ajeno decide pegar el último golpe antes de jubilarse gracias a la cotización del prójimo. Y el atraco es perfecto, el título no deja lugar a dudas, lo malo es que quien con críos se acuesta, pues eso mismo aplicado a gente de calaña tirando a regular.
Stanley Kubrick se daría a conocer en sociedad con una de atracos donde ya apuntaría maneras de genio, y además sin necesitar la parafernalia de muchos de sus títulos posteriores. Una obra más sencilla pero no menos simple donde juega con el montaje al más puro estilo Tarantino, bueno, en realidad sería al revés. Y anticipándose casi seis décadas a otro atraco espectacular, uno preparado por un Joker que tiene pintas vio el título de Kubrick antes de entrar él en un banco a golpe de autobús escolar.

20. DENTRO DEL LABERINTO

DENTRO DEL LABERINTO

 

Año de Producción: 1986

Duración: 101´

FICHA TÉCNICA 

Dirección                Jim Henson

Guion                     Terry Jones

Fotografía              Alex Thompson

Música                   Trevor Jones

Producción             Eric Rattray

INTERPRÉTES

Jennifer Connelly        Sarah

David Bowie                Jareth

Toby Froud                  Toby

Rob Mills                      Ludo

Shari Weiser                Hoggle

Dave Goelz                  Didymus

Brian Henson               Hoggle/Goblin

Natalie Findland           Hada

Timothy Bateson          Gusano/Guardianes Puertas/Gobin

Frank Oz                      Sabio

SINOPSIS

Mientras cuida de su hermano pequeño y sobrepasada por las obligaciones que esta tarea conlleva, Sarah lanza un deseo un forma de proclama, que los Goblins se lleven al bebe de la casa. Pero estos seres escuchan las plegarias de la joven e inmediatamente secuestran al pequeño, quien es trasladado al castillo del rey de los Goblins. Desde ese mismo momento Sarah solo dispondrá de trece horas para atravesar un inhóspito laberinto que lleva hasta el lugar donde se encuentra su hermano para así poder rescatarlo antes que este acabe transformado en un duende para siempre.

COMENTARIO

El temprano fallecimiento de Jim Henson en 1990 dejaría a toda una generación huérfana de uno de los más talentosos e imaginativos creadores de historias, mundos y personajes de las últimas décadas. Y es que, además de revolucionar el mundo de las marionetas y posteriormente de los animatronicos, dotándolos de un dinamismo como nunca se había conseguido hasta ese momento y convirtiéndoles de hecho en unos protagonistas más de las historias en las que compartían escenario con actores de carne y hueso, así como regalarnos programas tan míticos e icónicos como Barrio Sésamo, Los Teleñecos, El cuentacuentos o Los Fraggel, Henson lograría con tan solo dos películas en su filmografía llevar en la década de los ochenta el género de la fantasía a un nivel superior, no solo por su capacidad y pericia técnica a la hora de dotar de vida propia a las decenas de marionetas que pululan por pantalla, sino por ser capaz en este caso de tomar universos tan particulares como los de la Alicia de Lewis Carroll, el Oz creado por Frank Baum así como los cuentos clásicos de autores como los Grimm, y adaptarlos a una nueva era, a un nuevo tipo de espectador. Pero es igualmente cierto que no podemos ceder todo el protagonismo a Henson a la hora de hablar de Dentro del laberinto como un título de culto, ya que para poder llevar adelante este ambicioso proyecto se rodearía de un grupo de colaboradores cuya suma de talentos daría como resultado una de las más redondas cintas de fantasía de la década de los ochenta. Así, Brian Froud, como ya hiciera en la anterior Cristal oscuro (1982), sería el encargado de crear a través de sus bocetos y dibujos todo el diseño conceptual de la película en su labor como director artístico de la misma. Además y como nota curiosa decir que el bebe que da vida al hermano pequeño de Sarah, la protagonista de la película, seria Toby Froud, hijo de Brian. Por su parte el ex Monty Python Terry Jones se encargaría de escribir un brillante guion que sufriría numerosas reescrituras posteriores, eliminado en el proceso buena parte de la carga más oscura que poseía el libreto original aunque sin abandonar del todo este tono más sombrío que pulula en torno a la aventura principal, lo mismo que desaparecerían parte de los acertijos creados para la película por el director de La vida de Brian (1979). Y para poder acabar de dar luz verde a un proyecto tan costoso como este, que contaría con un presupuesto de veinticinco millones de dólares, sería igualmente crucial la participación de George Lucas en el papel de productor ejecutivo, cuya presencia en el proyecto llevaría además, gracias a su empresa de efectos especiales Industrial Light and Magic, a crear unos títulos de crédito protagonizados por una lechuza generada completamente mediante computadora, además de incluir un par de efectos visuales más con morphing y que contrastan con el uso de unas técnicas por lo demás totalmente artesanales a pesar de contar con complicados animatronicos a la hora de dar vida a parte de las criaturas que vemos en pantalla.

Precisamente la creación e incorporación de toda esta legión de marionetas en pantalla, compartiendo constantemente secuencias junto a los dos intérpretes protagonistas, en algún caso además en escenas multitudinarias, generarían los mayores problemas creativos y de logística durante el proceso de filmación. Y es que había que coordinar la aparición en escena de criaturas que requerían en algunos casos de varias personas perfectamente coordinadas a la hora de darles vida, una organización milimétrica a la que sumar la labor del actor o actriz encargado de poner voz a la marioneta. La incorporación de todos estos personajes de fantasía llevaría a una preproducción de año y medio antes de iniciarse el rodaje de cara a poder crear a todos estos seres que pueblan la película. Todo este esfuerzo sin embargo derivaría en un resultado que acaba siendo sobresaliente, logrando dotar de vida a unas marionetas en principio inertes y logrando que el espectador no los vea como unos muñecos en movimiento, sino como unos personajes más dentro de la película con personalidad propia y lo que es más importante, con alma. Y no podemos igualmente no nombrar una colección de escenarios y decorados que son una auténtica maravilla y que recrean los diferentes paisajes y salas a lo largo de los cuales tiene lugar el viaje de Sarah en busca de su hermano pequeño. Lugares como el muro de manos, la ciudad de los Goblins, las escaleras imposibles o el pantano del hedor eterno son solo algunos ejemplos de una colección de soberbios decorados creados en los estudios Elstree y que son auténticas maravillas. Y es que para que nos hagamos una idea de la ardua labor de creación de estos emplazamientos, en el caso de la por otra parte enorme ciudad de los Goblins se utilizaría para recrear el fono de la villa el telón de fondo panorámico pintado más grande hasta ese momento. Esta labor tan minuciosa en la creación de escenarios consigue que la experiencia de visionado de la película sea aún más inmersiva y disfrutable para el espectador.

Pero a pesar de lograr animar, tal como apuntábamos con anterioridad, de manera sobresaliente a todas las marionetas y animatrónicos presentes en el set, Henson necesitaba de un par de actores de carne y hueso para tratar de no repetir el error de su anterior película, un Cristal oscuro donde el hecho de no contar con ningún intérprete humano y abordar toda la trama con el uso exclusivo de marionetas generó en el espectador en el momento de su estreno una desafección por la historia al no lograr empatizar con ninguno de los personajes protagonistas, lo que derivaría en un fracaso en taquilla de lo que por otra parte es igualmente una obra maestra en su género. Así, la película está protagonizada por una joven y bellísima Jenniffer Connelly, quien había debutado en la obra maestra Erase una vez en América (1984) protagonizando posteriormente en 1985 Phenomena de Dario Argento. La intérprete, quien contaba quince años en el momento de la filmación, resulta totalmente deliciosa en el papel de Sarah, emanando una dulzura, determinación y simpatía que enamoran y que logran la película funcione, dado que todo el peso de una aventura, que se reconoce inmediatamente como un camino del héroe la uso, recae sobre este personaje. Como antagonista y villano de la función, aunque suavizado sobre el rey de los Goblins inicialmente creado por Terry Jones, se contaría con un David Bowie quien sin embargo no fue la primera opción para los responsables de la película, quienes antes que en el pensaron en otros cantantes del momento como Michael Jackson o Sting. Bowie logra dotar a su personaje de todo ese glam y personalidad que el artista poseía sobre el escenario, componiendo además para la ocasión varias canciones que son interpretadas a lo largo de la película. Remarcar finalmente que entre la multitud de marionetistas y actores que daban vida a los diferentes personajes que aparecen a lo largo de la historia, podemos citar nombres muy conocidos acostumbrados a trabajar bajo ingentes capas de maquillaje, o dentro de famosas marionetas, como los de Warwick Davis (Wicket o Willow), Kenny Baker (R2D2) o Frank Oz (Yoda).

De esta manera, Dentro del laberinto, además de erigirse como una de las más imaginativas y fantásticas películas estrenadas a lo largo de la década de los ochenta, plagada de personajes para el recuerdo y escenarios mágicos, se manifiesta como una metáfora que habla del paso de la infancia a la madurez, de la capacidad de dejar atrás lo material para abrazar lo intangible, a la familia o a los amigos. En este sentido la película, que inunda el metraje de pistas sobre lo que va a suceder o lo que ha sucedido, especialmente si nos detenemos en examinar con profusión la habitación del personaje de Sarah, lleva a su protagonista a algo más que un viaje plagado de aventuras y retos, la enfrenta a sus propios miedos e inseguridades ayudándola a alcanzar un crecimiento personal que transforma a la niña frustrada y algo pueril que vemos en el comienzo, incapaz incluso de compartir sus peluches de la infancia, en toda una jovencita con la capacidad no solo de liderar al variopinto grupo que la acompaña hasta el castillo del rey de los Goblins, sino de enfrentarse a este sin temor alguno, todo por tratar de recuperar a un hermano al que hacía poco odiaba al considerarlo como fuente de todos sus males. O lo que es lo mismo, a través de la fantasía la protagonista confronta los miedos propios de su edad y de una nueva situación familiar. Esta idea presente en la película, remarcada por el hecho de poder anticipar buena parte de lo que va a acontecer una vez Sarah llegue al laberinto si nos detenemos a observar todos los elementos presentes en su habitación, nos llevan a pensar si la aventura ha sido real o si la ha vivido la protagonista únicamente en su cabeza alimentándola de sus propios recuerdos y vivencias. Y ahí está la capacidad del espectador a la hora de decidir, aunque servidor prefiere creer en la existencia de un mágico laberinto lleno de seres fantásticos.  

FRASES DE CINE

PORQUE SUEÑO, YO NO LO ESTOY.

LEOLO (1992)

84. CRÓNICA NEGRA

Crónica negra (1972) 96´

En lo que parece el mundo al revés un elegante ladrón de guante blanco y modales impecables es perseguido implacablemente por un comisario de poca paciencia y tendencia por pegar cachetadas a los sospechosos, bien sean estos hombres, mujeres o travestis.

Testamento cinematográfico del francés Jean Pierre-Melville y que se ubica dentro del noir europeo, donde podemos encontrarnos como en el cine negro oriundo de Hollywood toda una colección de tipos duros, llevándose en este sentido la palma Alain Delon y su mala leche, así como femmes fatales con la mirada de Catherine Deneuve. Sin estar entre lo más grande del cineasta responsable de El silencio de un hombre (1967), sí que se trata de una película que te atrapa de inicio a final, y lo hace encadenando una sucesión de enormes secuencias, siendo especialmente reseñables aquellas que abordan los actos criminales de la banda de ladrones protagonistas. Y es que son tan buenas que hasta perdonamos la utilización de unas maquetas que cantan a Art Attack.  

18. HISTORIA INFORMAL DEL CINE NEGRO

HISTORIA INFORMAL DEL CINE NEGRO

Carlos Ezquerra
Erasmus Ediciones

179 Pags

Un estupendo compendio de todo el cine negro de la historia que esquematiza y resume los títulos más relevantes así como las figuras principales que ayudaron a conformar este género como uno de los más interesantes de las décadas de los treinta y cuarenta, presentándose igualmente títulos a recordar en todas y cada una de las décadas posteriores. Y si bien centra casi la totalidad del trabajo en el cine oriundo de Estados Unidos presta igualmente atención a películas originarias de Europa, incluyendo filmografía española sobre el asunto.

Tanto la manera en que se ha acometido la redacción del ensayo, con capítulos cortos, directos y sucintos así como interesantes anexos en los laterales de las páginas, así como el propio tamaño de la edición, convierten este libro en el compañero ideal para esos días de verano de descanso en playas o piscinas. La obra resulta además interesante tanto para los amantes del género, quienes ven como el autor dibuja una cronología de este sumamente interesante y dinámico a la hora de leer, como para aficionados más neófitos que buscan una batería de títulos que les permitan adentrarse en el género negro. En cualquiera de los casos el autor cumple este cometido con creces.