86. UNO, DOS, TRES

Uno, dos, tres (1961) 108´

En plena Guerra Fría C.R. MacNamara trabaja como representante de Coca Cola en el Berlín Occidental siendo dos sus aspiraciones. Lograr un ascenso en la compañía que le saque del lugar y seguir practicando el idioma natal con su atractiva secretaria. Pero su jefe tiene otros planes para con él, como el de convertirse en el cuidador de una díscola hija aficionada a prometerse con todo joven al que conoce.
Billy Wilder y I.A.L Diamond volvían a firmar un guion soberbio que contiene más gags por minuto que bulos Twitter. Así, la película aprovecha entre otras cosas para colarnos una ácida crítica a esa situación que durante décadas nos tuvo a todos con el corazón en un puño y otras partes encogidas llamada Guerra Fría. La película además nos muestra la vis cómica de un maduro James Cagney inconmensurable como ese jefazo de la Coca Cola a quien en ningún momento la situación le desborda. Aunque no podemos olvidar a una colección de secundarios divertidísimos como ese Schlemmer aficionado a taconear a cada nueva orden de su jefe. Una estupenda muesca más en el revólver de la comedia de Wilder. 

 

85. ATRACO PERFECTO

Atraco perfecto (1956) 83´

Tras una temporada a la sombra y no precisamente por buscar la contra del sol, un tipo de los de gusto por lo ajeno decide pegar el último golpe antes de jubilarse gracias a la cotización del prójimo. Y el atraco es perfecto, el título no deja lugar a dudas, lo malo es que quien con críos se acuesta, pues eso mismo aplicado a gente de calaña tirando a regular.
Stanley Kubrick se daría a conocer en sociedad con una de atracos donde ya apuntaría maneras de genio, y además sin necesitar la parafernalia de muchos de sus títulos posteriores. Una obra más sencilla pero no menos simple donde juega con el montaje al más puro estilo Tarantino, bueno, en realidad sería al revés. Y anticipándose casi seis décadas a otro atraco espectacular, uno preparado por un Joker que tiene pintas vio el título de Kubrick antes de entrar él en un banco a golpe de autobús escolar.

84. CRÓNICA NEGRA

Crónica negra (1972) 96´

En lo que parece el mundo al revés un elegante ladrón de guante blanco y modales impecables es perseguido implacablemente por un comisario de poca paciencia y tendencia por pegar cachetadas a los sospechosos, bien sean estos hombres, mujeres o travestis.

Testamento cinematográfico del francés Jean Pierre-Melville y que se ubica dentro del noir europeo, donde podemos encontrarnos como en el cine negro oriundo de Hollywood toda una colección de tipos duros, llevándose en este sentido la palma Alain Delon y su mala leche, así como femmes fatales con la mirada de Catherine Deneuve. Sin estar entre lo más grande del cineasta responsable de El silencio de un hombre (1967), sí que se trata de una película que te atrapa de inicio a final, y lo hace encadenando una sucesión de enormes secuencias, siendo especialmente reseñables aquellas que abordan los actos criminales de la banda de ladrones protagonistas. Y es que son tan buenas que hasta perdonamos la utilización de unas maquetas que cantan a Art Attack.  

83. EN UN LUGAR SOLITARIO

En un lugar solitario (1950) 94´

Steele es un guionista de cine con una mano igual de ducha a la hora de escribir historias que sacudir gente sin contemplaciones. Por eso a nadie le extraña se convierta en sospechoso del asesinato de una muchacha en tanto inicia una historia de amor con la vecina de al lado. Y es que su vida si que parece un guion de Hollywood.

Uno de los primeros títulos de un Nicholas Ray convertido en cineasta de culto tras dirigir  películas como Johnny guitar (1954), Rebelde sin causa (1955) o 55 días en Pekín (1963). En este caso mete en la coctelera elementos del cine negro, un drama romántico y algo de metacine para regalarle a Humprey Bogart un personaje a su medida, el de tipo duro, cínico y conquistador que tan bien le sentaban. Así, de tapadillo, nos encontramos una estupenda película que merece la pena rescatar de cierto olvido, y plagada además de escenas reseñables. Atención a la frase convertida en premonitoria de la historia de amor entre Bogart y Grahame, para memorizar y soltar en conversaciones plagadas de cinefilia y ver si de esta manera ligamos tanto como el bueno de Bogart.          

82. ULISES

Ulises (1954) 104´

Tras la guerra de Troya, Ulises, un tipo con poca prisa por volver al hogar, inicia su particular año sabático, el cual sin embargo se le va de las manos entre encuentros con brujas, sirenas, gigantes y demás fauna mitológica. Todo ello mientras su esposa espera pacientemente en la casa guardando para sí una bronca monumental que largar a su irredento marido toda vez este arribe a casa.

Un notable péplum que adapta de manera muy acertada el poema de Homero La odisea fragmentando el relato entre inteligentes flashbacks y dando además casi el mismo peso en la película a la trama de Ulises así como a la de Penélope. Con un colorido y muy bien tratado diseño de producción la película supone todo un deleite para los sentidos, erigiéndose de esta manera como un producto de aventuras de alto nivel. Y con Kirk Douglas comandando un elenco de intérpretes donde cabe destacar la innegable belleza de una colección de actrices vestidas entre vaporosas y eróticas telas, aunque en este caso ellos también enseñen su ración de cachaza.  

81. APOCALYPSE NOW

Apocalypse Now (1979) 182´

Un capitán recorre la selva en barco en a tomar por culo en busca de un coronel del ejército norteamericano que se ha ido por peteneras montando su propia compañía militar en mitad de ninguna parte. Ah, y no podemos olvidar como unos helicópteros bombardean un poblado con napalm al ritmo de bellas melodías, no, los temas de Manuel Carrasco no, La cabalgata de las valkirias.

Coppola se pasa de frenada, es lo que toca a veces, para regalar una película capital en esta ocasión dentro del género bélico y una obra maestra de la historia del cine. Son muchas las escenas a recordar, prácticamente todas, teniendo que destacar un tramo final donde da la sensación todo el equipo técnico y artístico estaba de peyote hasta las cejas, una idea que traspasa la película llevando al espectador al mismo punto de locura y horror que a sus protagonistas. Un título imprescindible protagonizada por un Martin Sheen que a punto estuvo de dejarse la vida en el rodaje infarto de miocardio incluido, un Robert Duvall colosal, un Marlon Brando en modo enséñame la pasta y unos tifones juguetones con el set de rodaje.

80. EL DEMONIO DE LAS ARMAS

El demonio de las armas (1949) 83´

Bart es un tipo con una afición desmedida por las armas así como con una puntería con estas que le convierten en el tipo más buscado cuándo llega el tirapichón a las fiestas patronales. Y sin embargo no tendrá el mismo ojo a la hora de escoger compañera de aventuras, una Annie igualmente ducha disparando pero con algo menos de remordimientos que su cómplice de pasatiempos.

Cuando alguien te mencione la Serie B en el cine con despecho y desdén coge la edición más voluminosa en DVD que puedas conseguir de esta maravilla dirigida por Joseph H. Lewis y atízale fuerte en el rostro con ella. Porque buena parte del cine que vendría después, Nouvelle Vague, Atraco perfecto, Bonnie y Clyde y Tarantino incluidos, tienen parte de su germen en este hito del neo-noir que presenta una pátina visual impresionante coronada por ese plano secuencia de un atraco no mostrado, con un ritmo endiablado y unos protagonistas enormes. Y sí, todo ello englobado dentro de la serie B, un tipo de cine que es mucho más que sinónimo de cine barato y cutre. Este Gun crazy es la mejor de las pruebas a su favor.

79. RASHOMON

Rashomon (1950) 88´

Mientras esperan que escampe, tres tipos ejercen el noble arte de la conversación cuñadil abordando la situación de un hombre acusado de asesinato y violación, aunque como buenos cuñados que son puede que lo que hagan es mentir más que narrar.

Akira Kurosawa construye la que sería su primera obra maestra contando una historia dentro de otra historia y a golpe de flashbacks subjetivos, jugando con la narrativa de una misma trama desde varios puntos de vista, lo que nos enseña que no todo es lo que parece y que cada uno de los narradores arrima el ascua a su trasero. Y tira de ese dramatismo exacerbado tan propio de los orientales, siendo este el título con el que abriría las puertas del cine de toda una industria por descubrir, siendo además este el primer gran título donde descubriríamos a uno de los actores de ojos rasgados más conocidos de la historia del cine, Toshirô Mifune. Si, en Japón también se filmaban películas, y resulta que algunas eran muy buenas.

HASTA QUE LLEGÓ SU HORA

Hasta que llegó su hora (1968) 165´

En medio de una ciudad plagada de tipos duros, malos y harapientos llega una bella ex prostituta con la cara y cuerpo de Claudia Cardinale con intención de casarse, lo malo es que antes de ser esposa se convertirá en viuda.

Leone ofrece unas secuencias y planos alargados y mantenidos casi hasta lo insoportable, pero siendo como era el italiano un genio en esto del cine el resultado no es otro que uno de los grandes westerns de la historia. Calor, polvo, suciedad e ingentes cantidades de one liners para un título que además tuvo la osadía de convertir a Henry Fonda, el héroe de Norteamérica por excelencia, en un hijo de puta inmisericorde. ¿Morricone? Lo del compositor es otro cantar, otra muesca en su revólver como uno de los mejores compositores de cine de todos los tiempos, sino el mejor.

77. A VIDA O MUERTE

A vida o muerte (1946) 104´

Un elegante aviador constata aquello de la flema inglesa cuándo, mientras su avión cae en picado entre llamas, decide coquetear con la mujer que responde a su señal de socorro al otro lado de la línea. Antes muerto que sencillo.

Un imaginativo título que además de bailar a caballo entre lo terrenal y lo celestial hace lo propio con un uso del color que se mueve entre el más brillante Technicolor y un elegante blanco y negro. Su tándem de directores y colaboradores habituales, Michael Powell y Emeric Pressburger se compenetran a la perfección para dar vida a una película que tiene mucho de onírica, elegante y poética. Y quien mejor que David Niven y su innato saber estar para protagonizar un título convertido en rara avis en aquellos años cuarenta y pieza de culto en estos dos mil veinte. 

76. PIGMALIÓN

Pigmalión (1938) 95´

Un estirado profesor de fonética apasionado por los acentos, en Murcia iba a flipar, decide convertir a una vendedora de flores mal hablada y vulgar en toda una dama de la alta sociedad capaz de codearse de tu a tu incluso con Froilán de todos los Santos.

Basada en la novela de George Bernard Shaw, quien participaría en la escritura del guion, se trata de una historia llevada al cine en numerosas ocasiones en títulos como My fair lady (1964) o Entre pillos anda el juego (1983) y que nos demuestra que a veces una choni de barrio puede tener un enorme corazón y que un elegante Borbón puede ser más putero que el mismo Torrente. Leslie Howard protagoniza y codirige una película enormemente disfrutable como comedia pero con un punto de amargura por la forma en la que retrata la manera en la que es utilizada esa pobre vendedora de flores que pasa de candidata a La isla de las tentaciones a poder presentar Corazón corazón. Y si el montaje de la película es tan bueno es porque detrás había un tal David Lean, ¿les suena de algo?

75. RAICES PROFUNDAS

Raíces profundas (1953) 118´

Un pistolero más quemado que la pipa de un indio, que mejor momento para introducir esta metáfora, llega hasta una granja sometida a los típicos excesos del terrateniente al que todas las tierras le parecen pocas y quien intenta contratar los servicios del recién llegado. Pero a este le ha caído en gracia una de las familias expoliadas por el bribón de turno, con lo que decide girar el cañón de su revólver hacía el lado contrario del que en principio debiera ser.

Un western con una historia que posteriormente sería repetida hasta la saciedad en multitud de títulos posteriores, haciendo que hasta el mismísimo Van Damme protagonizara su particular Raíces profundas gracias a Sin escape. La película, filmada en un apabullante Technicolor, presentaría en sociedad a uno de los personajes estandarte del género, el del pistolero misterioso con pasado turbio pero presente redentor que tan bien supiera encarnar posteriormente el bueno de Clint Eastwood. Pero además nos enseñaría que Rita Hayworth y su Gilda no eran las únicas que sabían hacer un uso de los guantes cinematográficamente espectacular, que se lo digan a un Jack Palance con un papel de villano de esos que quedan en el recuerdo.

74. LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA

Los mejores años de nuestra vida (1946) 172´

Cuando finaliza la Segunda Guerra Mundial los soldados que han logrado sobrevivir regresan a casa con la sensación de haber perdido algo más que partes de su cuerpo. Es lo que pasa cuando a quién te ha estado comiendo la oreja haciéndote creer un héroe ya no le haces falta.

Un título estrenado apenas un año más tarde de finalizada la Segunda Guerra Mundial y que presentaba a través de un dramón de tres horas las heridas físicas y psicológicas de un puñado de mocosos, y no tan mocosos en algún caso, de regreso del infierno. Con este título William Wyler, además de homenajear a estos veteranos en la primera película que abordaba este tema en el cine, atizaba su merecida bofetada a una sociedad con la bochornosa capacidad de mirar para otro lado con quien supuestamente lo ha perdido todo por esa misma sociedad. Eso sí, que ondeen las banderas en las entradas de todas las casas, los veteranos de guerra ya dormirán en la calle. 

73. CARITA DE ÁNGEL

Carita de ángel (1933) 75´

Lily lleva lo que viene siendo una vida de mierda sufriendo todo tipo de abusos por parte de los hombres, siendo su propio padre el primero en la lista. Es por ello que llega un día en el que decide que ya que tiene la carita y el cuerpo apropiados empezar a ser ella la abusadora, dándose cuenta de que para ello basta con un leve contoneo de cadera. Cien años después no es que hayamos cambiado demasiado.

Una de esas películas que acelerarían la creación de un Código Hays en virtud de todo lo que se ve e intuye en pantalla. Lo que se ve, las piernas de una Bárbara Stanwyck especializada en papeles de mujer de carácter y atractivo innegable. Lo que se intuye, a la protagonista trajinando con todo aquel hombre, joven o entrado ya en eso que llaman tercera edad, todo con tal de ascender en su trabajo. 

72. AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS

Aguirre, la cólera de Dios (1972) 90´

Una expedición española recorre las selvas y ríos de Perú en busca de El Dorado, pero lo único con lo que darán es con las flechas de los indígenas, el hambre y el mal carácter de un tal Aguirre, soldado de temperamento algo complicado pode decirlo de la manera más suave posible.

Primera de las colaboraciones entre el tándem Herzog-Kinski, quienes no se soportaban pero no podían estar el uno sin el otro. No estamos aquí ante la típica película de aventuras al uso, ya que lo que el director nos ofrece es prácticamente un documental, y lo que hizo para conferirle ese aire tan real fue someter a los actores a las mismas calamidades que sufren los personajes de la historia, lo que se traduce en un rodaje más allá de lo difícil y en una película de culto.

71. EL EXPRESO DE MEDIANOCHE

El expreso de medianoche (1978) 121´

Un joven intenta pasar dos kilos de hachís a través del aeropuerto de Estambul, con lo que acaba protagonizando su propio episodio de Alerta aeropuerto  siendo finalmente agraciado con una larga estancia en una prisión que hace de las chabolas de las 3000 viviendas los Hamptons en verano. 

Una película que le quita a uno las ganas de viajar a eso que llaman exóticos países. Alan Parker nos ofrece un título tremendamente duro e incómodo de ver, reflejando las duras condiciones de vida de un protagonista a quien da vida un enorme Brad Davis. Una película que encaja dentro del subgénero del drama carcelario pero llevado un par de niveles más allá en lo que a condiciones de vida para los presos se refiere, y es que la cámara no para de escupir suciedad, podredumbre y miseria, llegando el hedor hasta las mismísimas narices del respetable. Un título que tendría que ser de obligado visionado para todos aquellos que creen son más listos que nadie y que pueden burlar la ley en países que consideran de segundo nivel, porque a lo mejor te aparece Isabel Gemio con aquello de “sorpresa sorpresa”.   

70. EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY WALLACE

El hombre que mató a Liberty Wallace (1962) 119´

Tom y Ransom son amigos en un salvaje oeste que agoniza, aunque este último sea de los que para amigos como esos quien necesita enemigos. Que se lo digan a Tom, a quien su colega le birlará la novia, la gloria y el último sitio donde aparcar el caballo a la entrada del bar de moda.

Un título plagado de nostalgia y narrado a base de un flashback que nos ayuda a dar con el hombre que mató a Liberty Wallace. Un western que nos habla del ocaso de ese salvaje oeste donde se va imponiendo la política a los tiroteos, aunque esta primera acabe matando más que todos los Colt 45 juntos. La protagonizan un talludito John Wayne que representa los valores del western al uso, y cuyo funeral es el motivo de regreso de un James Stewart que se manifiesta como esa nueva sociedad donde los pleitos han sustituido a los duelos al sol. John Ford, quien sino, construye de esta manera un título que transgrede todas aquellas ideas que el mismo director había ido dejando patentes en sus obras anteriores. Lo siento amigos, el viejo oeste ha muerto.

69. CARGA MALDITA

Carga maldita (1977) 121´

Una empresa petrolífera de esas que deja los principios junto al reloj de fichar cada mañana contrata a un grupo de malajes para transportar por mitad de la selva un peligroso cargamento de dinamita que puede explotar a cada pequeño vaivén. Pero podía ser peor, ya que el viaje podía haber sido por una de nuestras insignes carreteras nacionales.
William Friedkin dirige este remake de esa obra maestra que es El salario del miedo (1953), y aunque no llega al nivel de magnificencia de la película de Clouzot, sí que nos encontramos ante un thriller intenso, de esos que pone de los nervios al espectador al otro lado de la pantalla. Friedkin aporta además esa capacidad en su cine de retratar a sus personajes, logrando en esta ocasión que el hedor, la suciedad y el sudor de los mismos llegue hasta los orificios nasales del respetable. Y esta vez no se equivocaría a la hora de contratar a nuestro Francisco Rabal, no como en French Connection (1971), donde el director pidió a Rabal y le trajeron a Fernando Rey.  

68. ARROZ AMARGO

Arroz amargo (1949) 108´

Tratando de escapar de la policía, una joven decide que lo mejor es unirse a un grupo de arroceras, con lo que eludirá la prisión y los trabajos forzados para vivir en condiciones precarias en barracones y llevando a cabo un trabajo de una enorme dureza. Pudiera parecer pues que no se trata del plan de ocultación más elaborado de la historia.
Giuseppe de Santis fusionaría el neorrealismo con el cine negro para, además casi sin querer, bueno, un poco sí, brindar un título clave en la historia del erotismo, todo ello gracias a una jovencísima Silvana Mangano que exuda sexualidad en cada una de las secuencias en las que aparece, ya sea bailando twist, cogiendo arroz, subiéndose las medias o bañándose en el río, preludiando a toda esa cohorte de maggioratas que con Sofia Loren a la cabeza nos demostraría que la carne es bella. Un título donde el director de Roma a las 11 (1952) deja patente que la sencillez narrativa no está reñida con una brillante puesta en escena a nivel de planificación de las escenas.

67. EL ÍDOLO DE BARRO

El ídolo de barro (1949) 94´

Midge Kelly es un pobre desgraciado a quien la vida le ha dado tantos golpes que descubre que subirse a un ring a sacudirse sin contemplaciones tampoco es para tanto. Y así, mientras se convierte en el campeón en eso de arrear puñetazos a diestro y siniestro, descubre igualmente que no hay mujer que se le resista, da igual si es rubia o morena, soltera o casada.

Una película que, presentando maneras casi de neo noir, es una de las grandes cintas deportivas jamás filmadas, un título que Martin Scorsese seguro se aprendió de memoria antes de rodar su Toro salvaje. Las secuencias de boxeo son brutales para el año en el que se filmó la película y Kirk Douglas, hoyuelo mediante, vuelve a dar vida a un tipo de personaje que se le daba como anillo al dedo, con un inequívoco poso de arrogancia y bravuconería pero que en el fondo oculta a un pobre desgraciado.