9. PESADILLA EN ELM STREET

PESADILLA EN ELM STREET, 1984
(A NIGHTMARE ON ELM STREET) 91´                                                               WES CRAVEN

 “Yo soy Dios.”

Fred Krueguer

Un título clave dentro del género de terror de toda la década de los ochenta que además el paso del tiempo se ha encargado de encumbrar como film de referencia a la hora de hablar del cine de terror contemporáneo. Se trata de todo un ejercicio cinematográfico donde la dualidad realidad-ficción cobra una importancia capital con el engaño permanente al espectador sobre si lo que está viendo está sucediendo realmente o se trata de una ensoñación de los protagonistas, algo que logra mantenerte en constante vilo.

Además de construir una serie de secuencias terroríficas convertidas en icónicas como lo son las muertes de Nancy, Glen o Ron por poner un ejemplo, la película destaca por la creación de esa revisión del mito del hombre del saco en la figura de Fred Krueguer, un  monstruo por fuera, con esas marcas de la casa que son el rostro desfigurado o las cuchillas en su mano, como por dentro, con la idea sugerida de la pederastia, que sentaría cátedra dentro del género y que a día de hoy sigue sin ser superado.

Una obra obligada para todo aficionado al género de terror, lo mejor que puede decirse de ella es que consigue dar auténtico miedo hoy, al igual que hiciera en el momento de su estreno hace más de cuarenta años. 

ME GUSTA: Logra sorprenderte y engañarte en no pocos momentos.

NO ME GUSTA: Fred Krueguer pierde todo su potencial terrorífico en el momento en que es atrapado en el mundo real, donde parece una suerte de animación de los looney tunes a la hora de recibir golpes y porrazos.

FRASE RESUMEN: Para ver con la manta hasta la barbilla y sobre todo sin dormirse.

PESADILLA EN ELM STREET 2: LA VENGANZA DE FREDDY, 1985
(A NIGHTMARE ON ELM STREET 2, FREDDY´S REVENGE) 87´                 JACK SHOLDER

“Noto que algo está intentando penetrar en mi cuerpo.”
Jesse Walsh

Precipitada secuela que evidencia las prisas de sus responsables por ofrecer rápidamente a la audiencia una segunda parte de la cinta de Craven en virtud del excelente éxito de publico que tuvo esta primera entrega. El problema es que la historia presentada rompe con todas las normas marcadas en el guion original.

Así, tenemos a un Freddy Krueguer que en esta ocasión comete sus asesinatos mediante la posesión del atribulado protagonista, una linea argumental que acaba defenestrando totalmente las inteligentes premisas de la cinta de 1984 con el ataque por parte de Krueguer en la fiesta en la piscina, donde se rompe la norma más importante de la saga; vigilia es igual a vivir, el sueño equivale a morir.

Si bien mantiene la presencia terrorífica del personaje interpretado por Robert Englund y presenta alguna secuencia interesante como el prólogo en el autobús o la transformación de Jesse en Freddy, esta secuela cae muchos enteros en su comparación con el título estrenado apenas un año atrás. 

ME GUSTA: Unos efectos especiales resultones y efectivos

NO ME GUSTA: La pareja protagonista carece de la más mínima química.

FRASE RESUMEN: Una secuela recordada por su indisimulado trasfondo homosexual.

PESADILLA EN ELM STREET 3: GUERREROS DEL SUEÑO, 1987
(A NIGHTMARE ON ELM STREET 3, DREAM WARRIORS) 96´                  CHUCK RUSSELL

“Sueño, ese pedacito de muerte, como lo odio.”
Narrador

Tras el tropezón que supuso la segunda entrega, Wes Craven volvió a la saga para, junto a Frank Darabont en el guion y Chuck Russell tras la silla de director, reflotar la franquicia, ofreciendo la auténtica secuela de su película de 1984 y marcando las pautas que redefinirían todos los títulos que vendrían después, a saber; el uso de las fobias y obsesiones de los protagonistas para utilizarlos contra ellos en sus pesadillas, un Freddy sarcástico, que no paródico, eso vendría después, y unas muertes imaginativas y visualmente impactantes.

Es así como esta tercera entrega se erige como la mejor secuela de toda la saga, ya que además de los elementos anteriores presenta tramas tan interesantes como la de la madre de Freddy, recupera a Nancy  como protagonista y ofrece un acto final con el enfrentamiento con Freddy en paralelo tanto en un escenario infernal como en el cementerio de coches, con homenaje a Ray Harryhausen y su técnica de stop motion incluido.

La continuación más importante de entre todas las que vendrían, esta tercera entrega es además uno de los títulos capitales del cine de terror adolescente de los ochenta.

ME GUSTA: Todas y cada una de sus aportaciones a la saga.

NO ME GUSTA: La forma en la que finiquitan a Nancy, la gran heroína de la franquicia.

FRASE RESUMEN: La auténtica secuela de Pesadilla en Elm street.

PESADILLA EN ELM STREET 4: EL MAESTRO DE LOS SUEÑOS, 1988
(A NIGHTMARE ON ELM STREET 4, DREAM MASTER) 93´                          RENNY HARLIN

“No debisteis enterrarme, no estoy muerto.”
Freddy Krueguer

Renny Harlin apuesta por la continuidad a la hora de abordar esta nueva entrega de la longeva franquicia sobre el personaje de Freddy Krueguer, tanto en lo que respecta a la historia, que enlaza con la tercera película a través de varios de sus personajes, como a nivel de estilo, potenciando aquellos elementos que la cinta anterior había sabido manejar con notable acierto.

La fórmula es sencilla, plantel de actores jóvenes, efectos especiales llenos de espectacularidad cortesía del gran Screaming Mad George y que ilustran secuencias muy originalmente diseñadas, y un protagonismo cada vez mayor de Freddy Krueguer, convertido ya a estas alturas en alma mater de la saga. Esta cuarta entrega ofrece además un fondo musical plagado de temas musicales eminentemente juveniles en su afán por conectar con su público potencial.

Una simpática continuación que mantiene el listón a buena altura, manifestando además algunas de las cualidades que Harlin explotaría posteriormente dentro del género de acción.

ME GUSTA: Su capacidad para soportar con sobrada estoicidad los múltiples visionados, siendo de hecho la secuela que más veces se ha emitido por televisión.

NO ME GUSTA: Como canta la doble de Lisa Wilcox en las secuencias de acción.

FRASE RESUMEN: La más rockera y juvenil de la saga.

PESADILLA EN ELM STREET 5: EL NIÑO DE LOS SUEÑOS, 1989
(A NIGHTMARE ON ELM STREET 4, DREAM CHILD) 86´                       STEPHEN HOPKINS

 

“Es un niño.”
Freddy Krueguer

La fórmula sobre la que se sustentaba la franquicia de Pesadilla en Elm street comenzaba a mostrar síntomas de agotamiento, máxime si tenemos en cuenta que se estaba estrenando una película al año, idea que queda reflejada en esta quinta entrega, donde por momentos la comedia se imponía al terror con un Freddy Krueguer erigido en el máximo protagonista y con un tono abiertamente autoparódico.

Destacar la inserción de un diseño de producción que apuesta por escenarios donde prima lo onírico con decorados tan interesantes como la torre de la institución mental, la iglesia en ruinas o la escalera de formas imposibles donde se desarrolla todo el clímax final. Los responsables de efectos especiales continúan trabajando a gran nivel, aunque la obsesión por ofrecer un más difícil todavía lleva a las secuencias de las muertes a resultar en exceso muy artificiales, restándoles de esta manera dramatismo.

Fin de lo que puede considerarse una trilogía dentro de la propia franquicia con las entregas tres a cinco, donde existe un nexo tanto a nivel de historia como de propio concepto de la saga.

ME GUSTA: Intenta aportar algo nuevo dentro de las limitaciones en las que se mueve.

NO ME GUSTA: El niño protagonista, da mal rollo, pero en el peor sentido de la palabra.

FRASE RESUMEN: El surrealismo visual irrumpe en Elm street.

PESADILLA FINAL, LA MUERTE DE FREDDY, 1989

(FREDDY´S DEAD, THE FINAL NIGHTMARE) 89´                                       RACHEL TALALAY

“Todos los pueblos tienen su Elm street.”
Freddy Krueguer

Este primer intento de finiquitar la saga sobre Freddy Krueguer acabó resultando un fiasco considerable, demostrando su directora Rachel Talalay, hasta entonces productora ejecutiva de la franquicia, su pésimo talento para llevar a cabo una empresa de tamaña envergadura.

La película por momentos se asemeja a una sátira de dudoso gusto de la longeva serie de películas con Freddy en modo payaso, conteniendo una narrativa que alarga innecesariamente determinadas secuencias para luego atropellarse en la resolución presentada en el último acto. Por si fuera, poco las muertes mostradas en pantalla, además de escasas para lo que nos tenía acostumbrados Freddy, han envejecido terriblemente mal por el abuso de unos efectos visuales en sus primeros momentos de explotación, resultando a día de hoy sumamente acartonados.

Una película muy mal dirigida, con un casting desastroso y un Freddy más pasado de vueltas que en ningún otro episodio de la saga, el peor de los títulos de la franquicia.

ME GUSTA: Mostrar Springwood como si de un pueblo fantasma se tratara.

NO ME GUSTA: Como rompe toda la mitología sobre Freddy al incorporar la historia de los demonios de los sueños.

FRASE RESUMEN: La pesadilla toca fondo.

LA NUEVA PESADILLA DE WES CRAVEN, 1994
(WES CRAVEN´S NEW NIGHTMARE) 107´                                                        WES CRAVEN

 

“Y ahora todos vosotros sois mis hijos.”

Robert Englund

Diez años después de estrenada la primera entrega de Pesadilla en Elm street el propio Wes Craven decidió volver sobre su creación para tratar de recuperar una saga que había escorado peligrosamente hacía la parodia. La apuesta, devolver un Freddy Krueguer oscuro y terrorífico, lejos del personaje enclavado en el humor negro en el que se había convertido.

Lo más interesante de esta séptima entrega es como Craven escribe un guión donde juega con el metacine, presentando a los propios actores de la saga como protagonistas de una historia que arranca notablemente para ir desviándose hacía terrenos más conocidos y estereotipados, acabando por ofrecer un final que es más de lo mismo.

Un título interesante en su vertiente de juego de cine dentro de cine con los máximos responsables de la serie de películas sobre Elm street interpretándose a si mismos, pero que cuándo trata de convertirse en una película de terror acaba por cometer los mismos errores de sus predecesoras mas cercanas.

ME GUSTA: Ver cerrarse el ciclo con la forma en que muere Julie, última víctima de Freddy de la franquicia y que se inspira abiertamente en el asesinato de Tina, el primero de la saga.

NO ME GUSTA: El rediseño del personaje de Krueguer, especialmente en lo que concierne a la garra mecánica y el largo gabán. No hay que cambiar lo que funciona.

FRASE RESUMEN: Craven intentó sin éxito insuflar nueva vida a la saga.

PESADILLA EN ELM STREET, EL ORIGEN, 2010
(A NIGHTMARE ON ELM STREET) 95´                                                           SAMUEL BAYER

“Si mueres en tus sueños, mueres de verdad.”
Jesse Braun

Un remake innecesario que lo único que hace es modernizar el estilo visual de esta revisión adoptando la fotografía y el propio diseño de las secuencias a las nuevas demandas estéticas cinematográficas. Por lo demás la cinta calca muchas de las escenas icónicas del título de 1984 sin llegar en ninguno de los supuestos a mejorar, ni tan siquiera igualar el impacto que estas tuvieron en su día y siguen teniendo hoy día aún después de infinidad de visionados.

Del plantel de actores solo cabe remarcar la elección de un digno Jackie Earle Haley como nuevo Fred Krueguer, aunque no logre superar la inmortal interpretación de Robert Englund. Junto a Haley solo la presencia de Katie Cassidy hace que se mantenga el interés, ya que es cuándo esta actriz desaparece de pantalla y toman el relevo unos aburridos Kyle Gallner y Rooney Mara que tanto la trama como el trabajo de los actores caen  estrepitosamente hasta llegar a un aburrido acto final.

Una película que copia literalmente mucho de lo narrado por Craven más de veinticinco años atrás y que cuándo añade elementos de su propia cosecha lo hace para empeorar la historia tal y como se había contado en la primera pesadilla.

ME GUSTA: Muy bueno el tema musical escogido para acompañar a los títulos de crédito finales.

NO ME GUSTA: Da demasiada información sobre el personaje de Fred Krueguer, en ese sentido las insinuaciones de la cinta de 1984 eran más efectivas.

FRASE RESUMEN: Hace todavía mejor a la película de Wes Craven.

FREDDY VS JASON, 2003
(FREDDY VS JASON) 93´                                                                                         RONNY YU

“Bienvenido a mi pesadilla.”
Freddy Krueguer

Una idea largamente acariciada y que finalmente se puso en manos de Ronny Yu, quien logra contentar a los fans de ambas sagas manejando un equilibrio argumental que homenajea y ofrece guiños a las dos franquicias prácticamente por igual. Dado el material de partida el director de La novia de Chucky inclina la balanza de la película hacía el tono paródico más que el del terror puro, en una inteligente decisión que evita la cinta caiga en la astracanada propia de una historia tan loca.

Destacar que visualmente la película es impecable, jugando su director con los cromatismos y filtros de manera que abarca el universo de las dos sagas tratadas, apostándose igualmente por el gore más brutal y sin ningún tipo de cortapisas, no decepcionando en ese terreno al fan más visceral.

Una buena manera de juntar a estos dos totems del terror moderno, con un enfrentamiento final a la altura y que dejará satisfechos a los seguidores de ambos personajes. Lo malo, como siempre, unos protagonistas de cartón piedra.

ME GUSTA: Como Jason es herido con su machete y Freddy con sus garras, original modo de caer ambos.

NO ME GUSTA: Quien en su sano juicio se va a una fiesta rave tras ser testigo de una brutal matanza, una vez más se fuerza al máximo la estulticia de los protagonistas.

FRASE RESUMEN: No pidan explicaciones y disfruten de la propuesta.

NEVER SLEEP AGAIN, THE ELM STREET LEGACY, 2010
(NEVER SLEEP AGAIN, THE ELM STREET LEGACY) 238´
DANIEL FARRANDS/ANDREW KASCH

“Es hora de irse a la cama y dormir.”
Mujer

Tras presentar el documental sobre las películas de Viernes 13 His name was Jason, sus responsables se embarcaron en la odisea de hacer lo mismo con la franquicia sobre Freddy Krueguer, aprendiendo de errores pasados y ofreciendo una colosal epopeya documental de cuatro horas de duración que desgrana hasta el más mínimo detalle la serie de películas ubicadas en la calle Elm.

Narradas cronológicamente, las películas de la saga son analizadas con una profusión de información fotográfica y visual apabullante, quedando evidenciada una labor de investigación ardua y concienzuda, queriendo ofrecer sus responsable el documental definitivo sobre tan conocida serie de películas de terror, y a buena fe que puede decirse lo consiguen.

Documental de obligado visionado para los fans de Krueguer, pero también para quien quiera saber como fue posible fraguar una saga tan conocida a nivel popular, totalmente disfrutable de principio a fin.

ME GUSTA: Que un documental de cuatro horas de duración se me antoje breve.

NO ME GUSTA: Ver entre los entrevistados alguna ausencia notable.

FRASE RESUMEN: Todo lo que siempre quiso conocer de Elm street y nunca se atrevió a preguntar.

7. JESUCRISTO SUPERSTAR

JESUCRISTO SUPERSTAR

(I don´t love how to love him)                                                           Andrew Lloyd Weber-Tim Rice

Posiblemente con Jesucristo Superstar nos encontremos ante la ópera rock por excelencia, versionada en su ecléctica adaptación al cine por un Norman Jewison que poco antes nos había regalado otra joya del género musical como es El violinista en el tejado. Plagada de temas para el recuerdo, este I don´t love how to love him, considerada por no pocos como el punto más culminante de toda la banda sonora de la película, es una bellísima balada interpretada por el personaje de María Magdalena, a quien da vida en la película Yvonne Elliman, y que nos habla sobre el amor no correspondido. Un tema que es la perfecta muestra de un musical diferente, muy acorde al momento en el que se estrenó y recomendado tanto para los amantes del cine religioso como para quienes son seguidores de los grandes musicales cinematográficos.    

SESIÓN GOLFA

 AQUEL EXCITANTE CURSO

Phoebe Cates se hizo mundialmente famosa por su papel de Kate en la cinta de 1984 Gremlins, repitiendo rol en la secuela aparecida seis años más tarde. Es por ello que mucha gente tiene a la actriz idealizada como esa joven de bellas facciones y actitud angelical y dulcificada. Sorprende por tanto descubrir que Phoebe debutó en 1982 con tan solo diecinueve años en la película Paradise, copia indisimulada del éxito El lago azul (1980) donde la intérprete pasaba buena parte del metraje desnuda. Sin embargo fue en la película de ese mismo año Aquel excitante curso donde realizaría el top less que quedaría grabado en la retina del aficionado en la secuencia en la cual el personaje interpretado por Judge Reinhold tiene una fantasía erótica protagonizada por la guapa Linda, papel interpretado por Cates. Recordar como la escena acaba con una divertida resolución totalmente acorde con el tono de la película.

19. EL PATRIOTA

AÑO: 2000

DURACIÓN: 165´      

DE QUE VA: A pesar de su reticencia inicial, Benjamin Martin se verá obligado a tomar las armas durante la contienda entre los colonos de Nueva Inglaterra y las tropas del rey Jorge III cuándo es testigo de la brutalidad del ejército ingles contra su propia familia.

QUIEN LA HACE: Tras blockbusters como Independence day o Godzilla, Roland Emmerich se incursionaría en el género de aventuras épicas, eso sí, sin abandonar su tendencia por el exceso y contando nuevamente con todos los medios necesarios a su disposición a la hora  de orquestar un espectáculo de primer nivel.

QUIEN LA PROTAGONIZA: Mel Gibson encarna al héroe de la historia, un hombre obligado a enfrentarse a un destino del que trata de rehuir de inicio, y a quien acompaña en su aventura un joven Heath Ledger. Joely Richardson aporta la vena romántica entre tanta batalla y cabe destacar una colección de secundarios imponentes encabezados por un siempre estupendo Tom Wilkinson.

LO QUE MÁS ME GUSTA: El director no defrauda a la hora de representar unas batallas con cientos de extras, multitud de explosiones, disparos y devastación, mucha devastación, algo en lo que es todo un experto. No se acobarda a la hora de utilizar la violencia ni presentar momentos enormemente duros. A pesar de estar cerca de las tres horas en ningún momento llega a aburrir.

LO QUE MENOS ME GUSTA: Unas secuencias que tratan de resultar épicas mediante la exaltación artificial del patriotismo, aunque en su defensa cabe decir que la película ya desde su título no engaña a nadie. La historia de amor entre el personaje de Gibson y el de Richardson resulta forzada e incluso incomoda.

EXTRA: Nos encontramos con El patriota ante una revisión de todo lo ya visto en Braveheart, protagonista incluido, siendo la película sobre William Wallace superior en todos los aspectos.

41. EL TESORO DE SIERRA MADRE

El tesoro de Sierra Madre (1948) 126´

Un trío de compañeros de penurias sin nada que perder se lanzan a la aventura buscando un yacimiento de oro en medio de ninguna parte. Pero además de dar con el preciado metal acaban contrayendo en algún caso la llamada fiebre del oro, dolencia caracterizada por un incremento a nivel de gripe chunga de la avaricia, la desconfianza y las puñaladas traperas.

John Huston tiro de una terquedad propia de las mulas que acompañan a nuestros protagonistas para lograr filmar la película en exteriores en lugar de en estudio, obteniendo como resultado el hecho de que acabemos la película con la sensación de haber tragado más tierra y polvo que Bogart, Huston y Holt juntos. El director volvería sobre sus temas preferidos, la miseria humana y la aventura por lo tanto no podían faltar, demostrando el realizador hechuras de veterano a pesar de apenas pasar de la treintena. Y debe ser fastidioso para alguien como Bogart el ofrecer uno de los mejores papeles de tu carrera y que sin embargo te adelante por la derecha un Walter Huston, padre de la criatura y que hace bueno el refrán de tal palo tal astilla, quien borda una interpretación para enmarcar. Y nunca mejor dicho, la avaricia rompe el saco.

QUE HACE UNA CHICA COMO TÚ EN UN SITIO COMO ESTE

DEMI MOORE

Demi Moore enamoraría a medio planeta gracias a su dulce papel de Molly Jensen en Ghost, siendo esta la película que la catapultaría a una fama que postergaría los años siguientes participando en una serie de películas donde sabría sacar todo el partido del mundo a un potencial femenino mezcla de candidez y sexualidad en títulos como Una proposición indecente, Acoso o Striptease, título que la llevaría a convertirse en la actriz mejor pagada de Hollywood. Tras unos años trabajando por debajo del radar de la atención mediática ha vuelto a alcanzar una notable notoriedad gracias a su papel en La sustancia, película que ha posibilitado sea nominada al Oscar a Mejor Actriz.

Sin embargo, y como suele ser habitual en muchas compañeras de generación daría sus primeros pasos en el cine de la mano del terror, dada la confluencia entre la juventud de estas actrices y el auge que viviría este género durante la década de los ochenta. En el caso de Moore le tocaría lidiar a la edad de veinte años con Parasite, título estrenado en 1982 y dirigida por el polivalente Charles Band, director, guionista, productor y fundador de la Empire Pictures, distribuidora a la que le debemos títulos como Ghoulies, Reanimator o Dolls. Parasite es una muestra de serie B, la especialidad de Band, estrenada en el 3D de la época, con ecos del cine de Cronenberg, una criatura diseñada por el celebérrimo Stan Winston e influenciada en parte por el éxito de títulos como Alien o Mad Max.

La actriz, tras este mediocre debut, no tardaría en destacar en películas como Lío en río, St. Elmo, punto de encuentro o ¿Qué pasó anoche? para alcanzar sus mayores éxitos en la década de los noventa y primeros dos mil hasta ir perdiendo poder mediático conforme cumplía años, una idea perfectamente explotada en esa La sustancia que la ha devuelto a plena actualidad. Pero antes de lidiar con novios fantasmales, multimillonarios con proposiciones indecentes o duros entrenamientos militares, Moore se enfrentaría a un violento parásito creado en un laboratorio, todos tenemos un pasado. 

9. ROBOCOP

ROBOCOP

Año de Producción: 1987

Duración: 103´

FICHA TÉCNICA

 

Dirección                             Paul Verhoeven                                                      

Guion                                  Edward Neumeier/Michael Miner                                    

Fotografía                           Jost Vacano

Música                                Basil Poledouris

Producción                         Arne Schmidt

INTERPRÉTES

Peter Weller                            Alex Murphy/Robocop
Nancy Allen                             Anne Lewis
Ronny Cox                              Dick Jones
Kurtwood Smith                      Clarence Boddicker
Miguel Ferrer                          Bob Morton
Robert DoQui                          Sargento Warren Reed
Dan O´Herlihy                         Anciano
Ray Wise                                Leon C. Nash
 

SINOPSIS

En un futuro no muy lejano la ciudad de Detroit agoniza ante el avance imparable de una criminalidad que las fuerzas del orden son incapaces de frenar. Es por ello que la Corporación OCP, multinacional que controla la ciudad y que está en pleno proceso de privatización del Departamento de Policía, aprueba la creación de un cyborg mitad robot mitad hombre, para cuya gestación utilizan el cuerpo del agente Alex Murphy, abatido en acto de servicio y en situación de muerte cerebral. Sin embargo, este robot mantiene la memoria y parte de la humanidad del policía asesinado y decide cobrarse venganza de los hombres que acabaron con su vida. 

COMENTARIO

Esta producción dirigida por el holandés Paul Verhoeven alcanzaría tal éxito que le abriría de par en par las puertas de Hollywood, y eso que una vez recibió el guion lo arrojo a la basura. Fue su mujer quien salvo el libreto de la quema y convenció a su marido de las virtudes de la historia. Sin embargo una vez recaló el proyecto en las manos de Verhoeven este paso de ser una prototípica cinta de ciencia ficción que bien podría haber dado lugar a una producción de serie Z vacua y sin personalidad, a erigirse como todo un título de autor a través del cual su director no solo nos ofreció un gran título de ciencia ficción, de hecho uno de los más destacados de la década, sino que además a través de la película  canalizó todas sus filias y fobias  sirviendo de catalizador de una mordaz y ácida crítica a la sociedad norteamericana, la cual acababa de acoger en su seno al director europeo. Hay que destacar también de Robocop que entronca cierto paralelismo con otro clásico del género de la ciencia ficción de los ochenta, Blade Runner (1982), cimentándose esta relación en dos puntos principales, el hecho que el guion de Robocop surgió de la idea plasmada en la película de Ridley Scott y en esa mezcolanza policía-robot así como en el actor que originariamente debería haber dado vida al protagonista de la cinta, un Rutger Hauer que se había dado a conocer internacionalmente gracias a su papel de replicante en la cinta de 1982 y que además era un viejo conocido de Verhoeven, con quien ya había labrado una extensa colaboración en títulos como Delicias Turcas (1973), Eric, oficial de la reina (1977) o Los señores del acero (1985), de la que ya hemos hablado con anterioridad.

En el caso de Robocop y como es habitual en el cine de Verhoeven hay un consciente alejamiento de la violencia estilizada y llena de cabriolas de otro tipo de cintas para mostrar su cara más realista y explícita, algo que se aprecia de manera evidente y contundente en secuencias como la del acribillamiento del ejecutivo por parte de la unidad droide ED209 así como en la escena más recordada de la película, el asesinato a manos de una caterva de furiosos criminales de Murphy, en la cual el director se recrea en el sufrimiento del agente hasta límites cuasi sádicos. Violencia que provocó que la cinta fuera inicialmente clasificada con una X, obligando a sus productores a recortar varias escenas para obtener una recalificación R que posibilitara el estreno de la película en el circuito comercial. Pero tal y como apuntábamos con anterioridad la violencia presentada no existe únicamente a nivel visual, sino que conceptualmente la propia imagen del futuro dibujado es tremendamente pesimista, incidiéndose en esa idea de una sociedad egoísta, violenta y donde el sistema capitalista es llevado al límite de lo humanamente soportable. En ese sentido la cinta de Verhoeven, a pesar de haber sido rodada hace más de treinta y cinco años, no puede estar de mayor actualidad por los paralelismos existentes entre ese supuesto futuro imaginado y la actual situación de coyuntura económica y social, erigiéndose el guion en una especie de oráculo que presagiaba buena parte de los problemas actuales, con la quiebra económica de Detroit incluida. Excelente la aportación de Verhoeven a la hora de incluir los insertos de informativos y anuncios televisivos que esporádicamente salpican el metraje con retazos de apenas unos segundos y es que gracias a estos el director es capaz de dibujar mejor que con carísimas secuencias ese futuro tan nefasto presentado en la película.

Cabe destacar la manera en cómo se invirtió el bajo presupuesto con el que se contó para llevar adelante la producción, y que era de algo menos de diez millones de euros, una modesta cantidad para un film de tamaña envergadura. Es por ello que a la hora de mostrar ese futuro en el cual se desarrolla la historia se dejaron de lado los diseños vanguardistas y estrambóticos optándose por mostrar un futuro cercano, más coetáneo y vulgar en cuanto a escenarios y herramientas. Además, en ningún momento se cita el año en el que se desarrolla la trama, jugándose de esta manera con una ambientación contemporánea y alejada de grandes avances y diseños complejos más allá de pequeños detalles.  De esta manera la película ha logrado apenas envejecer gracias a que fue consciente en su día de sus limitaciones y se alejó de intentar volar más alto de lo que su presupuesto le permitía. Fue en el diseño de Robocop, pieza fundamental del éxito de la película, donde se puso toda la carne en el asador monetariamente hablando, contratándose para ello al genial Rob Bottin, responsable de los excepcionales efectos de La cosa (1982), quien dispuso de setecientos cincuenta mil euros, una porción considerable del importe total manejado, para llevar adelante el diseño y construcción de las diferentes armaduras mostradas en la película, en función del estado que esta presentaba según avanzaba la historia. El diseño del traje además acabaría derivando en unos tonos metalizados y apagados frente a unos bocetos iniciales que apostaban por los brillos y unos tonos más azulados, idea original que sería recuperada para la armadura mostrada en Robocop 2 (1990).  Así, tras numerosos prototipos y pruebas finalmente se dio con el diseño por todos conocidos, fabricado en un látex tratado químicamente para obtener el aspecto metálico que luce y que ocasionaría un verdadero calvario a Peter Weller, quien se dedicó a ensayar con un mimo la manera de moverse y que sería muy limitada por los inconvenientes de vestir la armadura. El protagonista además tenía que dedicar entre dos y tres horas diarias para poder terminar de vestir el traje, perdiendo más de un kilogramo de peso tras cada sesión de trabajo por el calor que sufría en el interior de este y que superaba los cuarenta grados centígrados, obligando a que se instalaran varios ventiladores internos. Todo un cúmulo de quebraderos de cabeza que tuvieron su recompensa para el actor en el hecho de crear el personaje por el que a día de hoy sigue siendo recordado.

Otro de los puntales que es imposible no citar y que engrandecieron aún más Robocop es la soberbia banda sonora de Basil Poledouris, quien una vez más brinda un trabajo sobresaliente que hace de una gran película una obra maestra, demostrando una vez más la capacidad del compositor de potenciar gracias a su aportación todas las cualidades de las películas en las que colabora. Su tema central es de los que cada vez que se escucha consigue emocionar una vez comienzan a sonar los primeros acordes.

Junto a Weller, quien fue elegido debido a que su escasa envergadura le hacía el intérprete idóneo para poder actuar con la armadura puesta, trabajo que le llevaría a abordar la filmación desde una exigencia física notable, sobresale el co protagonismo de Nancy Allen, actriz que durante su relación sentimental con Brian De Palma intervino en tres de sus películas más interesantes, Carrie (1976), Vestida para matar (1980) e Impacto (1971). Por su parte Ronny Cox vuelve a interpretar con una enorme convicción al villano de la cinta mientras que Miguel Ferrer, más conocido por ser primo de George Clooney que por su curriculum como actor, brinda un pequeño pero importante y vital intervención como creador de Robocop.

El tremendo éxito de Robocop posibilitó la realización no solo de una trilogía que, si bien perdió gradualmente las virtudes de la cinta de Verhoeven suavizando especialmente en su tercera entrega el brutal y directo estilo del director holandes, se presenta como un estimable conjunto de películas de ciencia ficción, contando además con una descafeinada serie de televisión así como con la por aquel entonces inevitable serie de dibujos animados que adaptaba, con una evidente reducción de su nivel de violencia, la trama e ideas surgidas a raíz de la película, además de una serie de tebeos entre los que cabría destacar aquellos en los que este personaje se enfrentaba al otro gran tótem de la ciencia ficción de la década, Terminator, así como todo tipo de merchaindising sustentado en la figura de Robocop. Y todo ello gracias a que la mujer de Verhoeven rescató en su día de la papelera un guion estrujado y lanzado al olvido por su marido poco antes.

LA CARA B DE HOLLYWOOD

 ANORA, ¿LA NUEVA SHOWGIRLS?

Anora se ha convertido en la gran triunfadora de los Oscar 2025 al hacerse con los galardones a Mejor Película, Dirección, Actriz Principal, Guion Original y Montaje amen de haber ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes entre otros galardones. La película de Sean Baker, un atinado coctel de drama, comedia y crítica social, ha sido por ello analizada, criticada y abordada desde todos los puntos de vista, aunque todavía no he leído ningún reporte que aborde una idea que a mí me ha venido a la cabeza tras visionar la cinta, y que versa sobre las similitudes entre una de las mejores películas estrenadas en 2024 y un título estrenado tres décadas atrás, Showgirls, según la crítica y el público del momento, uno de los peores trabajos cinematográficos que vieron la luz en 1995, una idea de la que por cierto difiero, posiblemente por mi pasión por el cine de Verhoeven. Tratemos de justificar esta comparativa.

Ambas películas están protagonizadas por personajes femeninos de una fuerza y determinación muy marcada, auténticas luchadoras que no se dejan amedrentar en un mundo que devora a las mujeres como ellas. Y aquí no hay lugar a dudas que el personaje dibujado por Baker e interpretado magistralmente por  Mikey Madison en una actuación plagada de matices está a años luz de la Nomi Malone marcada por la sobreactuación que Elizabeth Berkley ejecuta en su interpretación, y que aunque va en línea con ese estilo hiperbólico conscientemente buscado por Verhoeven en su película, es evidente está sujeta a las propias carencias dramáticas de Elizabeth Berkley así como a las limitaciones como escritor de un Joe Eszterhas que alcanzaría el Olimpo como guionista gracias a su trabajo en Instinto Básico, una película que cabe recordar tiene la base de su éxito no en el manido libreto de Eszterhas sino en la magistral puesta en escena de Verhoeven. En ambos casos además hay una coincidencia entre ambos personajes ligado a su trabajo como bailarinas eróticas de lap dance, instantes en los que son ellas quienes por la característica de esta práctica sexual creen tener el control de la situación no pudiendo estar más equivocadas.

Tanto Anora como Showgirls nos cuentan en parte la misma historia, una perversión de ese cuento de la dama en apuros que encuentra a lo que parece ser un príncipe azul que la salve de un destino desesperanzador, siendo en ambos casos ese personaje masculino un fraude que lo único que busca es aprovecharse de las dos protagonistas, en el caso de Vanya, el adinerado hijo de un oligarca ruso en Anora a través de su dinero y en el supuesto de Zack, quien puede convertir en estrella a Nomi en Showgirls mediante su poder. De esta forma podemos ver que tanto Anora como Nomi, a pesar de creer y tratar de hacer creer son personajes con una enorme fuerza, independencia y que no se dejan pisar ni amedrentar por nadie, acaban mostrando una enorme fragilidad, estando en todo momento, y aunque ellas crean lo contrario, a merced de los diferentes personajes que van encontrándose con ellas en su camino. Solo en el caso de las dos buenas amigas de ambas protagonistas se dibuja un poco de luz entre una caterva de figuras egoístas que lo único que hacen es aprovecharse de la vulnerabilidad de Anora y Nomi, aunque hay que decir que en el caso de la primera también podemos ver como el personaje de Igor muestra compasión por la protagonista.

Y a la hora de buscar paralelismos entre dos títulos en apariencia tan antagónicos podemos finalizar con el propio camino recorrido por las dos jóvenes en ambas películas, donde vemos como, tras llegar ambas a tocar el éxito con la punta de los dedos atisbando una posibilidad de poder dejar atrás una vida sobre la que no tienen ningún tipo de control y que las está devorando, acaban en los dos casos en el mismo punto de partida donde comenzaron ambas películas, Nomi haciendo autostop está vez para abandonar Las Vegas y Anora frente a las escaleras que conducen de nuevo a su casa.

Y si bien hemos detectado entre ambos títulos las semejanzas hasta ahora citadas, cabe reconocer se trata a la vez de dos películas muy diferentes entre sí, y así,  tenemos de una parte a un Sean Baker que, aunque por momentos juega con la comedia, está más centrado en la crítica social más desazonada con una Anora mostrando toda su vulnerabilidad en la emotiva escena de cierre, mientras que Verhoeven, como haría posteriormente en Starship Troopers, esconde su propia crítica a la sociedad del momento, que sigue hoy día siendo la misma que hace tres décadas, entre la hipérbole, la exageración y la aparente simplicidad narrativa. Y eso hace que mientras Anora es un personaje con mayúsculas, lleno de matices y registros, el de Nomi acaba siendo una más de las caricaturas que pueblan ese retrato descarnado de auge y caída que es Showgirls. Lo que no quita que esa Nomi Malone que trataba de hacerse un hueco como bailarina en los grandes casinos de la competitiva Las Vegas haría muy buenas migas con esta Ani Mikheeva que solo quería emular al personaje de Julia Roberts en Pretty woman encontrando a su príncipe azul entre una cohorte de canallas. 

40. LA VENTANA INDISCRETA

La ventana indiscreta (1954) 112´

Un seguidor a ultranza de la doctrina de la vieja del visillo hasta el punto de utilizar el objetivo de su cámara para hacer un repaso diario de las vidas ajenas, acaba siendo testigo involuntario de lo que cree es el asesinato de una mujer a manos de su marido. Es lo que pasa cuándo uno es un cotilla, que se acaba por ver lo que uno nunca hubiera deseado.

Una de las películas de cabecera de un Alfred Hitchcock que vuelve a utilizar el suspense solo como el orondo director sabía. En esta ocasión convierte a James Stewart, pero también a todos los espectadores, en voyeurs involuntarios de lo que parece ser un crimen al otro lado de la calle, haciendo además que el hecho de que su protagonista esté temporalmente impedido sea otro de los elementos claves a la hora de contar la historia. Una historia que por cierto acabaría adaptándose en infinidad de ocasiones posteriores. Pero lo más difícil de creer es que el bueno de Stewart se pasará el día oteando el horizonte teniendo en su misma habitación a una novia con las facciones de Grace Kelly.

18. TRAFFIC

AÑO: 2000

DURACIÓN: 142´      

DE QUE VA: Varias historias aparentemente independientes a caballo entre Méjico y Estados Unidos y con la droga como telón de fondo acabaran confluyendo uniendo las vidas de agentes de la DEA, mujeres de narcotraficantes, policías corruptos mejicanos o burócratas encargados de la lucha contra el narcotráfico.

QUIEN LA HACE: Convertido en director de culto desde su opera prima, Sexo, mentiras y cintas de video, Steven Sodenbergh continuaba con Traffic dando sobradas muestras de su versatilidad a la hora de dirigir diferentes géneros así como en el uso de recursos cinematográficos.

QUIEN LA PROTAGONIZA: Como toda película sustentada por varias subtramas nos encontramos con un reparto coral plagado de grandes nombres como los de Michael Douglas, Catherine Zeta-Jones, Don Cheadle, Dennis Quaid, Amy Irving, Luis Guzmán o Miguel Ferrer. Aunque si hay un actor que brille con más luz que el resto de compañeros de reparto ese es un Benicio del Toro que vuelve a regalarnos una interpretación para el recuerdo.

LO QUE MÁS ME GUSTA: El uso que la película hace de la fotografía, jugando con el cromatismo para ubicar al espectador en los diferentes escenarios en los cuales se desarrolla la historia. Un montaje que a pesar de jugar con historias que van solapándose una y otra vez es totalmente fluido y para nada abrupto.

LO QUE MENOS ME GUSTA: Como toda película construida en base a diferentes sub tramas, hay historias y personajes más interesantes que otros. Por mi parte me quedo en Méjico.

EXTRA: Recordar la gran obra maestra construida sobre varias historias que acaban confluyendo, Vidas cruzadas.